Historia del cine mundial
Conoce la maravillosa historia del cine mundial de la mano de la Profesora Gina Szclar, quien tiene además de grandes conocimientos sobre el tema, una manera muy agradable de compartirlos.
Clase de Historia del Cine Mundial
Profesora: Gina Szclar
La prehistoria del cine
La linterna Mágica
Estos ingeniosos dispositivos contenían todo lo que encontramos en la actualidad en un proyector de cine: Una fuente de luz, un mecanismo para mover cuadros a través del halo de luz y lentes para condensar y proyectar la imagen en una pantalla. Además de ser una forma de entretenimiento, también permitió a quien lo utilizaba el contar historias como lo harían en un futuro los cineastas.
Eadweard Muybridge, Émilie Reynaud y Georges Méliés fueron algunos de los muchos cineastas inspirados por la linterna mágica pero quizás el mayor legado que pudo aportar a las personas en su tiempo fue el poder darle un respiro a sus difíciles vidas y así, darle un propósito a los primeros emprendedores cineastas quienes llevaban un espectáculo itinerante a los lugares más remotos del planeta.
Persistencia de la visión
El siglo que antecedió a la primera proyección ya se creía que la rápida sucesión de imágenes estáticas podían derivar en una imagen con movimiento continuo gracias al fenómeno de la persistencia de la visión.
El primero en darse cuenta de este fenómeno fue el poeta romano Lucretius en De rerum natura en el año 65 antes de Cristo.
En 1824 fue definida por Peter Mark Roget y esta teoría de que una imagen permanece por unos instantes grabada en la retina despues de haber desaparecido de su campo de visión inspiró a varios juguetes opticos que creaban la ilusión de movimiento de imágenes estáticas como el “cambiador mágico” de John Ayrton, el Phenakistoscope de Joseph Plateau o el zoetrope de William F. Lincon.
HISTORIA DEL CINE UNIVERSAL
La primera industria del cine se desarrolla en Francia impulsada por los hermanos Lumiére que, aprovechando su fábrica de placas fotográficas, comienzan a distribuir sus aparatos de filmación cinematográfica y contratar a actores, operadores de filmación, etc.
En sus inicios se realizaron numerosos cortos con el fin de proyectarlos para los visitantes de las ferias. Fue tan grande el éxito de estas exhibiciones, que los Lumiére tuvieron que distribuirlo alrededor del mundo, creándose nuevas industrias en Gran Bretaña, Alemania, Italia, México, etc. Rápidamente, las películas comenzarán a ser más largas y a utilizar nuevas técnicas. También se construirán estudios de rodaje y productoras.
En Estados Unidos, Edison no permitirá la entrada del cine debido a que lo consideraba como una copia y una amenaza para su kinetoscopio Comenzarán a proliferar salas de proyecciones que se denominarán nikelodeons debido a que la entrada costaba sólo una moneda de niquel (cinco centavos). Mientras que en Francia aparece el primer largometraje, Viaje a la Luna (Georges Mélies 1902), en Estados Unidos, Edwing S. Porter realizará la primera película de género; “El gran robo del tren”(1903).
El gran robo del tren (Edwing S. Porter 1903)
Al llegar la Primera Guerra Mundial, las producciones europeas se paralizan y muchos cineastas emigran a los Estados Unidos, al finalizar la guerra, la industria americana superará a la europea y puesto que cuenta con mayor presupuesto, la desplazará. Como culminación a este periodo aparecerá “El nacimiento de una nación (David W. Griffith 1914) que será una de las primeras grandes producciones del cine.
Expresionismo alemán
Movimiento artístico de vanguardia surgido en Alemania después de la primera guerra y propagado en Europa, como rebelión contra el impresionismo que intentaba presentar la vida interior del ser humano en lugar de su apariencia externa. Se manifestó en el cine,la pintura, la poesía y el teatro. En este medio se llega al simbolismo a través de los decorados, las luces, el vestuario y la interpretación de los personajes, elementos que aspiraban a mostrar a través de la pantalla, una óptica deformada de la realidad.
Este cine se nutre de la tradición literaria fantástica para elaborar sus temas y transformar en imágenes cinematográficas lo que hasta entonces pertenecía al campo de la imaginación. Se utilizan casi exclusivamente los interiores, los grandes efectos de sombras mediante iluminación artificial, los ángulos de cámara arriesgados y extraños, las perspectivas distorsionadas, los grandes decorados arquitectónicos realizados por un uso creativo de la iluminación, que sustituyen a los fondos pintados y las composiciones estilizadas. Algunas de las obras más representativas fueron: Nosferatu, Metrópolis, El gabinete del Dr. Caligari.
Cine Soviético
Fue uno de los más importantes dentro de los comienzos de cine. Nació inmediatamente después de la Revolución de Octubre, gracias a las políticas del gobierno, que reconocía la importancia de este medio de comunicación de masas y estimulaba su producción y la formación de cineastas. Las principales figuras de la épica fueron Lev Kuleshov, Vsévolod Pudovkin, Serguei Einsenstein y Dziga Vertov. Este cine se caracterizaba por la experimentación y la búsqueda de construcción de conceptos a través del montaje. Se recurrirá al documentalismo y se explotarán todas las posibilidades expresivas del medio. El cine soviético era entonces el más vanguardista de Europa, sin embargo, las élites intelectuales del país habían huido o sido fusiladas, por lo que el cine iba más en a dirección al realismo socialista o comercial, pero siempre con matices políticos.
Hasta fines de 1921 es que se abre en Moscú la primera sala cinematográfica que tuvo un éxito inmediato y produjo un estímulo a la industria, principalmente reciclando viejos films e importando, para 1923 habían abierto 89 salas. Existía libertad para producir películas, siempre y cuando tuvieran la linea ideológica oficial, sin embargo, los lideres del partido advirtieron que esto era muy difícil de controlar. Bajo el gobierno de Stalin, la censura se hizo aún más rígida y muchas películas terminarían cortadas, re-montadas o directamente prohibidas. El acorazado Potemkin (1925) es un film clave de esta época y que es considerado como una obra maestra.
La llegada del sonido
las proyecciones de las películas mudas normalmente no trascurrían en completo silencio, solían estar acompañadas por música en directo, habitualmente improvisada por un pianista u organista en ciudades pequeñas , o incluso orquestas completas en las grandes ciudades, que podían añadir efectos de sonido.
La era del cine hablado comenzó el 6 de octubre de 1927 con el enorme éxito de “El cantante de Jazz”(Warner bros) , aunque la primera película totalmente sonora fue “Luces de Nueva York”en 1928. Pese a que la experimentación con la sincronización de sonido e imagen era tan vieja como el cine mismo, la viabilidad del cine sonoro tardó más de veinte años en llegar y uno en morir.
Los críticos serios del cine se enlutaron por la muerte de la imagen en movimiento que no parecía tener más ni imagen ni movimiento: “El cine sonoro no era simplemente el mudo con sonido incorporado, sino una nueva forma de expresión que tenía que reconciliar lo real (la grabación precisa de palabras y sonidos) con lo irreal (la imagen bidimensional), mientras que el cine mudo había sido una unidad armoniosa, completa por si misma” Roman Gubern.
Tres son los filmes pilares del sonoro: Aleluya de King Vidor (USA 1929), Bajo los techos de París de Rene Clair (Francia 1930) y El angel azul de Josef Von Sterenberg (1930).
El cine Italiano
Tras veinte años de rígida censura, de cultura dirigida y de películas carentes de critica social, los intelectuales y cineastas se encontraron en un país devastado por la guerra. Se plantearon entonces, a necesidad de una vuelta al realismo y apareció así un cine de atención social, en el que la cámara se ponía al servicio de la realidad y la filmaba transformando los eventos cotidianos en historias. Un cine que evidenció los grandes problemas surgidos en la guerra, sobre todo en las clases popilares: la pobreza, la despreocupación, la vejez, la delincuencia, las consecuencias de la guerra sobre la infancia, etc. El divino “Duce”firmó la prohibicion del movimiento, aunque, no pudo evitar su proyección clandestina.
La principal característica de este movimiento es la sencillez temática al representar a cotidianidad, adoptando una postura entre la realidad y el documental y trabajar con individuos comunes en ligar de actores profesionales. La escasez de medios y la falta de material técnico obligaron a los nuevos cineastas a rodar en las calles, a ambientar sus filmes en los sitios auténticos y esto se convirtió así, en el sello estilístico del neorrealismo.
Un cine sin grandes presupuestos, pero con mucha inteligencia que fue fundamental para el cine italiano y del mundo en general, entregó un norte a otros paises como Japón, México, España y Grecia entre otros.
La Nueva Ola Francesa
De todos los movimientos de renovación europeos a lo largo de los años sesenta, ninguno tuvo la importancia y la repercusión que alcanzó la Nouvelle Vague. Surgida entre 1958 y 1962, esta corriente logró sacudir los principios formales y temáticos del cine francés, renovó las estructuras industriales de producción y proporcionó prestigio internacional a una nueva generación de directores y actores, algunos del los cuales, aún siguen en activo.
Las raíces del movimiento son indisolubles al nacimiento de la revista “Cahiers du Cinemá” dirigida por André Bazin. Esta publicación aglutinó a muchos de los críticos que años después serían grandes cineastas. Escribían regularmente: Jean Luc Godard, Francois Truffaut, Claude Chabrol, Eric Rohmer, Jacques Rivette; todos ellos compartían una formación cinéfila adquirida como espectadores de los cine clubes, además les unía un rechazo hacia la mayor parte del cine que se producía en su país al que calificaban de anquilosado, compartían un interés por llevar a la pantalla asuntos menos próximos a la realidad social y más personales, así como una mayor conciencia de la importancia del lenguaje cinematográfico.
Todas sus idas quedaron plasmadas en el artículo de Truffaut “Una cierta tendencia del cine francés”considerado como el manifiesto de esta corriente. La “Politica de autor”, desarrollado por Bazin supone elegir el factor personal como concepto de referencia en la creación artística y sitúa al director como el responsable último de la película desde el punto de vista creativo.
Dogma 95
Las películas DOGMA se caracterizan por lucir un certificado que otorga la autenticidad del proyecto y de un número de matrícua . Este certificado o expide un comité de jueces que valoran que la película cumpla con el siguiente voto de castidad:
Juro que me someteré a las reglas siguientes, establecidas y confirmadas por:
1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de os exteriores en los que se encuentre el accesorio).
2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
3. La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento – o movilidad – conseguido con la mano están autorizados.
4.La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).
5. Los tucajes y filtros están prohibidos.
6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso)
7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (es decir, que la película sucede aquí y ahora).
8. Las películas de género no son válidas.
9. El formato de la película debe ser en 35 mm.
10. El director no debe aparecer en los créditos.
Coopenhague, Lunes 12 de marzo de 1995,
Lars von Trier, Thomas Vinterberg, Soren Krag-Jakobsen, Kristian Levring